Exposición internacional de 33 artistas del Viejo Continente en Casa do Brasil, Madrid, del 4 al 14 de setiembre de 2008.

Arte Contemporáneo Europeo, una mirada a la creación plástica de Italia y España

Arte Contemporáneo Europeo aglutina la creación de 33 artistas del Viejo Continente, fundamentalmente de Italia y España. Dicha muestra presenta una clara diversidad de lenguajes, desde figuración contemporánea, pasando por surrealismo, lenguajes personales y abstracción a arte conceptual, expresionismo y Dimensionalismo.

Cliquear para ampliar

España e Italia, Italia y España dos países con un gran pasado y un presente esperanzador en artes plásticas. Dos países que aportan mucho dentro del panorama del arte contemporáneo de hoy. Dicha exposición está organizada por Platinum Collection, cuyos presidentes son Luciano Massarelli y Marcella Marcis, contando con la asesoría de Joan Lluís Montané, crítico de arte. El marco escogido es Casa do Brasil de Madrid, España, con inauguración día 4 de septiembre a las 20.00 horas. La muestra podrá verse del 4 al 14 de setiembre de 2008, participando en la Noche de los Museos, concretamente el día 13 de setiembre, jornada de puertas abiertas hasta altas horas de la madrugada. Casa do Brasil está en Avenida Arco de la Victoria, s/n, está dirigida por Cassio Romano, siendo un dinámico centro que aglutina una gran diversidad de muestras artísticas internacionales, fundamentalmente de arte brasileño contemporáneo.

Arte Contemporáneo Europeo constituye una mirada global al interior del concepto plástico, superando purismos y el excesivo dirigismo que inunda el panorama artístico contemporáneo.

Las aportaciones de los 33

Franca Antonello indaga en lo geométrico, buscando el centro equidistante plástico y espiritual, porque va directamente a la esencia de las cosas. Su creación está dominada por el color, elaborada, compleja, sutil, bien estructurada, conectando con la fuerza que gobierna el mundo pero no se ve. Es minuciosa, configurando todos los elementos que intervienen en la dinámica creadora, siendo partes de un todo, dentro de una cierta dinamicidad y contraste.

Pino Aversa experimenta en la simbología y la alegoría, dentro de un planteamiento pictórico y escultórico lúdico, sutil, insinuante, sin renunciar a la belleza, permitiéndose conexiones con la estética glamurosa, pero, a la vez, dentro de un posicionamiento encuadrado en la ironía leve, pero de expansión calculada, en línea con la voluntad de alcanzar objetivos multidireccionales en cuanto a significados.

Carlo Benati se interesa por la formulación del concepto, encuadrándolo, buscando el juego de estéticas, dentro de una contemporaneidad de objetivos. Su obra es marcadamente emblemática, elaborada, situada en línea con la evidencia del concepto. Se instala en un planteamiento formal geométrico para ser coherente con la búsqueda del contraste, empleando la tensión como elemento dinamizador de una composición estructurada.

Giampiero Bertolini se interesa por el movimiento, el gesto, la fuerza intrínseca de la activación de los elementos. Gesto, ondas, sincronización expansiva, concentrando su predisposición al cambio constante, potenciando la vibración, es decir conectando con la energía. Su creación se implica con temáticas que captan el momento del cambio, el instante de la vibración.

Francisca Blázquez, creadora del Dimensionalismo en 1998, viaja a través de las diferentes dimensiones cósmicas, astrales, angélicas, dimensión del agua y del amor. Su obra se caracteriza por exhibir sorprendentes geometrías en el cosmos; asimismo, por presentar planteamientos cristalográficos, formas que parecen piedras preciosas y geometrías de avanzada estructura, elaboradas en intensos colores, realizadas en acrílico sobre tela. Su pintura está repartida en colecciones y museos importantes de América, Asia y Europa, fundamentalmente.

Marisa Bonazzi, conceptual, su obra enlaza con el subconsciente, con la fuerza interior de la simetría, siendo irónica, reflejando un planteamiento atrevido en el que integra elementos, dentro de ambientes muy complejos, en los que lo importante es la formulación del cambio y la transformación como objeto fundamental. La creadora italiana se interesa por la recreación de elementos de diferentes épocas, involucrándolos en un discurso plástico contemporáneo.

Alda Bòscaro se interesa por la figura, dentro de un concepto poético, sutil, evidente, pero, a la vez, sugerente. Su creación pictórica se fundamenta en el dibujo y el color, con introducción de contrastes de tonos, buscando nivelar la composición, siendo armónica, pero, a la vez sutil y expresiva. Alegóricamente teje la tela con el cromatismo, para darle mayor calidez, conectando con la impronta de lo intenso entrañable.

Enrico Brunella pinta paisajes de la mente, soledades, movimientos álmicos, concepciones del espíritu, dentro de una austeridad de planteamientos. Destaca la contención del paisaje, potenciando estructuraciones cromáticas inmersas en la composición, fundadas en la emblematicidad de la alegoría. Es una obra poética, instalada en el espíritu, conformando un mundo de mundos, casi sin que tengan que intervenir iconografías y elementos que introduzcan barroquismo a la pintura.

Stefania Buccio Gonzato basa su dinámica plástica en una aproximación a la figuración, exhibiendo personajes inmersos en escenas cotidianas, pero, dentro de planteamientos en los que la temática de la propia acción se convierte en protagonista, sin importar su descripción. Se apoya en el dibujo, buscando la consecución de obras marcadas por el detalle.

Luisa Cavani plasma su aproximación dévica, conectando con la naturaleza, con partes y fragmentos de la misma, pero, a la vez, generando un mundo expansivo de notable fantasía, en el que el gesto y el movimiento de los elementos e iconismos es fundamental. Su creación indaga en la fenomenología de los elementos verdes del bosque, en flores y plantas inventadas, en composiciones avanzadas, donde lo entrañable y la contemporaneidad formal predominan.

Gabriella Ceccherini apuesta por temáticas urbanas, expresivas, donde la composición armoniza la potencia de la idea con la fenomenología y el devenir de lo expresado, instaurando creaciones pictóricas donde predomina lo orgánico, formas que recuerdan elementos densos, presentando edificios, personajes en situaciones difíciles, árboles engullidos por edificios que los dominan con determinación. El resultado es una obra donde el cronópio urbano se muestra con toda su crudeza.

Alba Chiodi, exhibe personajes y figuras, composiciones y paisajes, momentos, instantes, escenas de vida cotidiana. Su paleta cromática es rica en insinuaciones tonales, asentando su composición en el dibujo, en el trazo, dentro de una minuciosidad descriptiva, buscando detalles y descripciones, para nutrir de un viso real a la composición en general.

Ivan de Menis se instala en la abstracción formal, en la densidad matérica y cromática, elaborando composiciones caracterizadas por su estructuración, dentro de una dinámica cálida, sutil, sugerente, apropiada para conectar con la formulación de lo cálido. Indaga en los pormenores de la estructuración y en la formulación consiguiente. Su obra es entrañable, pero calculada, esencial y, a la vez, nutrida de un completo estudio cromático que protagoniza la creación dentro de composiciones formales.

Alfonso Di Meo viaja con la evidencia de la alegoría, con formas y composiciones extrañas, que encierran enigmas, que se instalan en una notable multiplicidad de respuestas, ubicadas en un laberinto en el que hay diversas salidas. Posee una clara concepción poética, en la que la metáfora está a la orden del día, porque explica las sensaciones sin necesidad de describir, y, a la vez, permite al espectador viajar a través de la libertad de opciones para conectarse con partes y fragmentos de la misma o en su totalidad.

Annalisa Gheller, muestra paisajes, colores, predominio de las trasparencias, de la fuerza emblemática del color, que es quien nutre y determina el objetivo último de las formas de la obra. Su creación posee referencias, se conecta con la realidad, desde la poesis, siendo una metáfora de sí misma, con el objeto de transformar la parte conectada con la realidad, para ofrecerla con naturalidad dentro de una elaboración plástica sutil.

Federico Introzzi es un artista que busca centrar la figura humana, especialmente la femenina, captando el ambiente interior, el aura, la vibración, prefiriendo conectar con la energía, con la esencia que es quien determina la parte formal. Sus rostros son meticulosos pero no abusa del detalle, prefiriendo apostar por la sensación, por la esencialización de la sagacidad de los sentimientos.

Renata Kuwilsky aborda la materia, siendo importante en su producción pictórica, porque le da la impronta imprescindible para determinar el color. Combina color, de tonos intensos con el dominio matérico, centrando la composición para que la atención del espectador se concentre en la dinámica de la acción de los elementos que son protagonistas. Citaremos una de sus obras que representa un barco velero navegando en un mar en calma, con las velas desplegadas, destacando el tratamiento cromático denso, pero sin llegar a una exagerada expresividad.

Marilena Mantello es sugerente, consecuente, viaja a través de la alegoría, busca la incorporación de símbolos e iconos, elementos que forman parte de su atrezzo, procedentes del subconsciente, siendo una parte de su comunicación emblemática que abre las puertas de la comprensión de su obra, instalada en el concepto particular de belleza, en el que predomina lo sutil sensual.

Dina Moscato apuesta por una obra con predominio de estructuras, en composiciones donde la forma tiene importancia. Pero, a la vez, exhibe alusiones a una realidad que no acaba de concretarse.
Es abstracta en el planteamiento general, busca referencias, pero se interesa finalmente por la diversidad de lenguajes que se entrecruzan continuamente.

Riccardo Musoni, es poético, busca la capacidad de generar evocaciones, para entrar en profundidad en la composición, marcada por la descripción, con presencia de la figura femenina, pero, a la vez, lo que más le importa es transmitir de manera adecuada el estadio poético, la fuerza mental emocional que encierra en sí misma la composición.

Gilberto Nardini se muestra preocupado por la figuración, el detalle y, a la vez, se interesa por la alegoría, por su capacidad de evocar situaciones a partir de personajes, sin necesidad de integrarlos con elementos descriptivos. Quien sí que posee rasgos y características bien definidas es el personaje objeto de su atención. Pero, a la vez, su creación es coherente con el conjunto de interactuaciones que se generan entre lo plástico y la idea.

Maria Ludovica Pantoli Piletti es una creadora que evoca paisajes, que se aproxima a un concepto de realidad, pero que nunca llega a describirla. Prefiere interesarse por las esencias de los estados de ánimo a través de la informalidad y el cromatismo intenso. Hay en su producción plástica un notable predominio de rojos en contraste con gama de verdes y ocres.

Giuseppe Pegorer conecta con la formulación de la transformación y el cambio, interesándose por la fuerza de la evocación, por la intensidad entretejida en el color y en el mismo paisaje. Árboles, paisajes de bosques, multicromatismo, manchas, abstracción incremento de la explosividad cromática, pero, a la vez color controlado envolvente y sugerente, paisaje, esencia de paisajes que profundiza en la voluntad de cambio intenso cromático fundamental.

Cecilia Piccini se interesa por la figuración de hoy, de estructuración dinámica, dentro de un cierto culto leve a la materia, buscando lo contemporáneo en la composición elaborada en base a trazos rápidos. Sus obras son producto del momento, capta el instante, nutriéndose del aquí y ahora, para inmortalizar la fuerza emblemática contenida en la energía, que es quien transforma el mundo.

Lisa Zanatta Pistorio esboza paisajes de intenso cromatismo, centrando la composición, buscando el equilibrio entre todos los elementos intervinientes en el mismo. No le interesa la descripción sino el concepto de paisaje en sí mismo, como parte de la idea que le impulsa a conectar con ambientes de naturaleza. Es colorista, emplea el cromatismo con determinación, no abusa de su expresividad, pero su intención es intervenir en la composición para darle la impronta necesaria dentro de una personalidad clara.

Giancarlo Reati se concentra en un surrealismo simbolista, formado por personajes que son iconos-formas-geometría y algo naïfs, de notable efusividad, mostrando la fortaleza de lo emblemático, con la determinación de quien viaja por las sendas del laberinto del subconsciente, a través de la formulación de una vivencia sutil, ensoñadora y dulce. Es un creador que elabora la composición, dentro de un lenguaje muy personal en el que desarrolla todos sus conceptos e ideas, siendo claro en su manera de concebir la fuerza de la existencia, la estructura de la misma, que es cambiante, frágil, además de evanescente, como la caída de las hojas en otoño.

Ermanno Rossi, figuración, compromiso contemporáneo, elementos, figuras, paisajes que son estadios mentales, es decir proyecciones de la mente, vibraciones que producen imágenes, que poseen una clara apariencia de realidad, pero son como instantáneas del cerebro, emitidas en determinados momentos, captando la acción de personajes y el paisaje, pero incidiendo en el color, sin preocuparse del detalle, siendo claro en su formulación plástica expresiva, aunque controlada, intentando conectar con la serenidad de lo contemplado.

Ivana Scalco conecta con la formulación de lo geométrico, con la estructuración formal, para destacar el personaje, por ejemplo, la obra en la que presenta a una mujer sentada, visión lateral, mano apoyada en un saliente y otra en el suelo. Si te alejas es geometría y si te acercas es figuración sugerente. Su obra es meditada, conservando con naturalidad la serenidad final. Emplea colores y tonos propios, con gamas intermedias, combinándolos con otros más intensos, pero dentro de una gran armonía final.

Luciana Silvestrin elabora una creación abstracta, con contrastes cromáticos, con predominio de la mancha, pero también del gesto, ondulaciones, líneas, permitiéndose superposiciones cromáticas. Busca determinar un tipo de obra que posea la fuerza del color, la intensidad cromática adecuada, la potencia del contraste, y de ahí que combine formas, elementos rectilíneos pero sin ser rectos, porque parecen rectos pero son líneas cambiantes, entrelazadas o no con formas que poseen apariencias estructuradas de esa forma. El resultado final es un claro predominio de la génesis de energía y potenciación leve de la materia, instalada con clara sutilidad.

Cristiana Tonzig Sandi, abstracta, emplea el color del momento, en la impronta del instante, en la cromaticidad del segundo. Busca ser instantánea, en una creación en la que el color domina como parte de la materia. Como si el color fuera materia misma, en una estructura de paisaje inventado, en una dinámica de fuerza emblemática que conecta con el subconsciente. Paisaje inventado que se nutre de instantes emocionales, sin renunciar a la plasticidad en sí misma.

Coral Torrents indaga en la materia, sin renunciar a la iconografía identificable pero no descriptiva. Su obra es matérica, pero, a la vez, sugerente en lo sensible, porque no carga las tintas en la determinación de la misma, sino que las emplea para profundizar en la voluntad de ser coherente con un discurso plástico bien hilvanado. Es consecuente, posee armonía contemporánea, es determinante en lo cromático, instalando líneas de contraste y recorrido conceptuales, elementos que la alejan de una estética fría, para conectarse con la energía del color y la determinación emblemática de sus alcances.

Versus, compagina enigmas, misterio, romanticismo y materia. Su obra es romántica, en el sentido de que prefiere apostar por composiciones de belleza sugerente, pero no convencionales, donde la unión de casas, árboles, paisajes, cielos, tonalidades de color pasionales, convencen, ayudan a reafirmarse, viajan a través de las funcionalidades de lo plástico para ser parte del paisaje, de su concepción pictórica basada en la preponderancia del color, en detrimento de la materia, en escenas en las que lo importante es como se cuentan y no lo que representan.

Gioia Villanova es una creadora que busca potenciar el concepto de abstracción, nutriéndola de formas intuidas y determinaciones, en las que no construye elaboradas estructuras, es más se aleja de ellas, sino que plasma insinuaciones, fragmentos de estructuras, formas, ondulaciones, elipsis, partes de un entorno laberíntico, en el que lo importante es el contraste de la evidencia que se insinúa pero que nunca describe.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)